Список произведений искусств

Соловецкие лабиринты - это неолитические сооружения, расположенные на островах Соловецкого архипелага. Ученые предполагают, что их выстроили племена северных народов, живших на побережье Белого моря.    Лабиринты представляют собой спиралевидные фигуры с системой ходов, стенки которых выложены валунами. Основа лабиринтов – спираль, у которой нет ответвлений и поэтому заблудиться в нем невозможно. Вход одновременно является и выходом. Существует несколько типов лабиринтов. Чаще других встречаются спиралевидные и подковообразные (показать их на схеме).    Наиболее интересен вопрос о назначении лабиринтов. Версий существует множество. Почти каждый исследователь предлагает свою гипотезу. Условно их можно разделить на три группы – утилитарные (бытовые), астрономические и культовые.   Утилитарная версия: Лабиринты располагались на берегу островов и служили своеобразными "ловушками" для рыбы. С приливом вода поднималась и рыба заплывала в лабиринт, после отлива вода спадала и рыба не могла выбраться из каменного лабиринта, оставаясь в ловушке.   Астрономическая версия: Лабиринты являются примитивными храмами солнца (спираль – это солярный знак) или схематическим отображением орбиты Солнца.   Культовая версия: Лабиринты - это входы в царство мертвых. У них один вход и запутанные ходы, чтобы душа умершего не могла вернуть в мир живых. В центре многих лабиринтов находиться груда камней, которая возможно и является входом в загробный мир.   Основной версией ученые считают ту, которая утверждает, что лабиринты на Соловках были частью ритуалов древних людей, связанных с переходом души в загробный мир.

Дом Овчинникова (Архангельск, ул Воскресенская, дом 37) Архитектор: Семен Овчинников Стиль: Северный модерн    Деревянный двухэтажный дом был построен в стиле модерн в 1912 году его владельцем – инженером Семеном Овчинниковым. Архитектор присмотрел место в центре города, которое выкупил и поставил на участке деревянное здание. На первом этаже дома жила семья Овчинниковых, а второй этаж сдавали в наём.    Здание относится к стилю северного модерна. Северный модерн опирался на русское деревянное зодчество, поэтому иногда этот стиль называют "деревянным" модерном.    Здесь присутствуют многие архитектурные признаки стиля. Во-первых, над входом нависает эркер (выступающая часть здания). Эркер имеет высокую четырехскатную крышу, венчает которую кованный гребень, характерная черта северного модерна. Все четыре фасада здания неодинаковы: на южном фасаде - эркер, на западном - пристроен третий этаж. Еще одна особенность этого дома - щипцы (треугольные завершения окон), которыми завершается эркер и чердачное окно.    На проспекте Чумбарова-Лучинского построена точная копия дома Овчинникова, таким образом, в Архангельске стоят два одинаковых дома.

Икона "Троица" Автор: Андрей Рублёв Дата создания: XV век, период древнерусского искусства Сюжет:  В основу иконы положен сюжет из Ветхого завета «Гостеприимство Авраама». Он повествует о том, как Авраам встретил у дубравы троих таинственных странников, пригласил их в дом и накрыл стол. Этих странников на иконах изображали в виде ангелов, так как они представляли Святую Троицу: Бога Отца, Бога Сына и Святого духа. На иконе изображены три ангела, сидящие за столом, на котором стоит чаша с головой тельца. Рублёв отказался от подробных деталей, которые обычно включались в изображения «Троицы»: нет Авраама, нет и блюд с едой; ангелы представлены не обедающими, а беседующими. Композиция:   Композиция иконы образует круг, смысловым центром является чаша с головой тельца — прообраз крестной жертвы Христа. Левый ангел, символизирует Бога Отца. Над его фигурой изображен дом, символ Творца. Голова не склонена, а взгляд обращен к другим ангелам. Одежды среднего ангела (багряный хитон, синий гиматий) отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. За его спиной изображено дерево – символ вечной жизни. Жестом он благословляет чашу, символ своих будущих страданий. Правый ангел изображен в одежде зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора, символ духовного восхождения. Особенности русской иконописи: 1. Плоскостное решение пространства 2. Вытянутые пропорции фигур 3. Символизм. К примеру, что обозначает голова тельца в чаше? Телец, т.е телёнок, часто приносился в жертву Богу, а Христос принёс в жертву самого себя - был распят на кресте, то есть чаша с головой тельца символизирует жертву Иисуса Христа. 4. Техника письма - темпера: краски растертые с яичным желтком 5. Использование обратной перспективы, когда "точка схода" находится ПЕРЕД картинной плоскостью, а не на ней, и предметы по мере удаления увеличиваются

Церковь Покрова на Нерли Дата строительства: 12 век, Владимиро-Суздальская архитектура Описание: Белокаменный храм во Владимирской области, выдающийся памятник зодчества владимиро-суздальской архитектуры. Место для храма выбрал сам князь Андрей Боголюбский, на слиянии двух рек - Нерли и Клязьмы. Это место было важным пересечением торговых путей и служило воротами во Владимирские земли. Перед строительством пришлось насыпать холм из камней и глины, чтобы уберечь церковь от весеннего разлива рек. Три стены храма украшены рельефными изображениями царя Давида, восседающего на троне. По обе его стороны находятся по голубю, а внизу – львы. Ниже животных находятся маски женщин, волосы которых заплетены в косы. Эти маски являются символом Божьей Матери.  Особенности: Церковь представляет собой крестово-купольный храм (на схеме показать основные архитектурные элементы крестово-купольного храма: нефы, апсиду). Это однокупольная церковь имеет стилевые особенности, присущие только Владимиро-Суздальской архитектуре: 1.  Аркатурный пояс вдоль стен 2.  Перспективные окна и порталы (углублённые внутрь) 3. Рельефы на стенах

Фреска "Тайная вечеря" Автор: Леонардо да Винчи Эпоха: Возрождение Сюжет: Фреска изображает сцену последнего ужина Христа со своими учениками. Считается, что на работе изображён момент, когда Иисус произносит слова о том, что один из учеников предаст его. Зритель видит реакцию каждого из апостолов: кто-то опечален, кто-то не верит, другие бурно обсуждают или яростно отрицают эти слова. Спокоен только лишь сам Иисус, чья фигура расположена в центре стола.     Как и на других изображениях тайной вечери того времени, Леонардо располагает сидящих за столом на одной его стороне, чтобы зритель видел их лица. Но по традиции, Иуда-предатель всегда располагался отдельно от остальных учеников, он был единственный кто сидел с противоположной стороны стола, ближе к зрителю. Леонардо помещает Иуду среди других апостолов. В руке Иуда держит небольшой мешочек, возможно, обозначающий серебро, полученное им за предательство Иисуса. И он единственный, кто поставил на стол локоть. Его лицо и поза отражают испуг, он боится быть разоблаченным. Композиция: Эта фреска отображает самые яркие композиционные решения картин в эпоху Возрождения: 1. Симметричная композиция: в центре Христос, 12 апостолов разделены на группы по три человека и симметрично расположены по обе стороны от фигуры Иисуса. 2. Линейная перспектива: все параллельные линии интерьера сходятся в одной точке схода. В эпоху Возрождения художники часто размещали композиционный центр именно в точке схода. В данном случае, это голова Христа. К нему ведут все линии. 3. Главный герой отделен от остальных фигур. Они как бы отпрянули от него, образовав свободное пространство. Но при этом все ученики либо взглядом, либо жестом указывают на Иисуса. Голова Христа расположена на фоне окна, свет из которого заменяет собой традиционный нимб.

Клятва Горациев Автор: Ж.Л. Давид Стиль: классицизм, 18 век Сюжет: На картине изображена сцена из римской легенды, в которой говорилось о споре между двумя враждующими городами — Римом и Альба Лонгом. Трое братьев из рода Горациев были выбраны Римом, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами Альба-Лонга — братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть. Брат обнимает брата- это символ единства и дружбы. Их клятву принимает отец, стоящий в центре картины и держащий в руке мечи своих сыновей.   Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, в белом платье -  сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, а рядом - Сабина, сестра Куриациев и жена одного из Горациев. Этим семьям предстояло породниться, поэтому изначально было ясно, что в подобном сражении не может быть победителей. Сабина и Камилла, представляют две враждующие стороны, объединенные горем. Поединок еще не начался, но уже известно, что одна из них лишиться жениха или брата. Таким образом, Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин. Композиция: Ж.Л. Давид - яркий представитель классицизма. В картине "Клятва Горациев" он отразил все стилевые особенности классической живописи: 1. Сюжет картины взят из античной истории 2. Главная идея картины - идеалы патриотизма и самопожертвования ради интересов родины 3. Все герои выдвинуты на первый план и расположены таким образом, чтобы зрителю был виден каждый из них 4. Симметричная композиция: в центре фигура отца, слева - братья Горации, справа - плачущие женщины. Арки на заднем плане подчеркивают симметричное деление картины на три равные части 5. Одежды героев окрашены в традиционные для классицизма основные цвета: красный, синий и желтый. Фон, напротив, выполнен в приглушенной гамме, чтобы не отвлекать внимание от главных героев 6. Позы персонажей картины тщательно продуманы, они эффекты и несколько театральны

Явление Христа народу Автор: А. Иванов Стиль: Классицизм История создания: Александра Иванова нередко называют автором одной картины. «Явление Христа народу» – труд поистине грандиозный, более 20 лет своей жизни посвятил художник созданию этого полотна. На стадии подготовки и при работе над картиной Александр Андреевич создал более 600 эскизов. Закончит ее художник за год до своей смерти.  Сюжет: Действие происходит на берегу реки Иордан, в котором очищались от своих грехов первые приверженцы новой религии – христианства. Центральной фигурой полотна является Иоанн Креститель, которому Бог уже рассказал о приходе спасителя на землю.   На картине изображен именно тот момент, когда Иоанн впервые узрел собственными глазами Иисуса Христа и указывает на него другим. За спиной пророка стоят апостолы, будущие ученики Спасителя. По другую сторону от Иоанна Крестителя расположились люди разных возрастов. На лицах некоторых из них мы видим радость, а на лицах других – недоверие. Отдельно следует сказать о фигуре раба, подающего одежду своему господину. Его образ является чуть ли не самым колоритным во всей картине. На его лице отображена целая гамма чувств: от недоверия и смятения, до радости и восторга. Можно быть уверенными, что впоследствии этот раб стал ярым приверженцем новой религии, настолько сильны в нем чувства, вызванные словами Иоанна Крестителя и появлением Спасителя. Композиция: Иванов был приверженцем классицизма. Но сам того не желая, во многом отверг законы академической живописи: 1. Вместо застывших "театральных поз" - эмоциональные образы. 2. Вместо "улучшенной" придуманной природы - работа с натуры. 3. Главным героем выступает не Христос,а народ. Фигура Христа помещена в глубине картины, и дана размыто (что неприемлемо в классицизме). 4. Другое новшество – работа не только «гладким письмом», но и фактурным мазком. Также автор впервые реалистично показал старческое тело (старик, выходящий из воды), не идеализируя его. 5. Иванов писал все фигуры с натуры и под открытым небом, а также использовал пленэрные зарисовки для создания пейзажа картины. В итоге впервые в классицистической картине появилось ощущение «воздуха», реального пространства, залитого солнечным светом.

Последний день Помпеи Автор: К. Брюллов Художественное направление: романтизм Сюжет: На картине изображены события в Помпеях во время извержения Везувия, которое произошло в 1 веке нашей эры. Художник располагает персонажей группами, объединенными общей трагедией. Каждая из них представляет отдельную историю: знатная дама, погибшая при падении с колесницы и её маленький сын, который, кажется, не понял, что потерял мать. Они символизируют падение античного мира и рождение на его осколках нового.    В правой части художник изобразил группу людей, объединенных общим горем. Это два брата, которые несут на руках больного отца; юноша, который пытается спасти мать, но она просит бросить ее и бежать самому. И один из наиболее эмоциональных персонажей – молодой юноша, который держит на руках погибшую любимую. Смерть ему уже безразлична, он потерял желание жить, и ожидает смерти как избавления от страданий.    В левой части картины мы видим христианского священника с крестом на шее, держащим в  руке факел. Он обращает свой взор на рушащиеся статуи языческих богов. На заднем плане пытается убежать перепуганный языческий жрец, как символ ухода язычества. Композиция: В полотне художник совмещает два направления: классицизм и романтизм.  Он нарушил принцип «барельефности» (расположение героев на первом плане) -  действие уходит в глубь картины, но сохранил деление на три плана. Отказался от главного героя, но тем не менее, «разбросал» действующих лиц по группам, вписанным в академические треугольники. Использовал естественное освещение (от пламени вулкана и вспышки молнии), но сохранил в работе локальные условные цвета, не зависящие от освещения. Кроме этого, в этой работе – в соответствии с требованиями классицизма – нет места человеческой низости. Все персонажи – пример беззаветного благородства. Классицизм выразился и в манере изображения людей. Их лица не обезображены болью, даже лежащая на земле девушка прекрасна. Одежда людей чистая, на ней не видно крови. Это принцип условности, с помощью которого живописец показывает, что человек является самым прекрасным созданием на Земле.

Сватовство майора Автор: П. Федотов Художественное направление: реализм Сюжет: В основе сюжета картины "брак по расчету" между дочерью зажиточного купца и разорившегося майора-дворянина. В те времена подобные сделки были обычным делом: одни стремились заполучить деньги, а другие – дворянство и положение в обществе. Перед нами момент встречи будущих жениха и невесты. Невеста смущена поднявшейся вокруг неё суетой. Она пытается убежать перед приходом своего жениха. Купчиха с притворной строгостью хватает дочь "за хвост". Это обычная, простоватая и добрая женщина, так и не научившаяся носить "барские платья". Отец семейства стоит в углу и готовиться встретить гостя. Он суетливо застегивает сюртук и с некоторым испугом смотрит на сваху, приведшую жениха. А майор стоит в дверях, напряженно подкручивая ус и подтягивая солидное брюшко, пытаясь не ударить в грязь лицом перед невестой и ее родней. Композиция: Павел Федотов считается родоначальником русского бытового жанра (бытовой жанр - "сцены" из жизни простых людей). А "Сватовство майора" - стало визитной карточкой мастера. Признание этому полотну пришло сразу же. Публика, уставшая от академических античных героев, увидела в картине отражение своего собственного мира. Все было здесь узнаваемо - и интерьер, и характеры персонажей.    Центром композиции является невеста, она выделяется стремительным движением. Вообще, вся картина наполнена движением: купчиха "ловит" за платье дочь, купец лихорадочно застегивает сюртук, сваха врывается в гостиную, объявляя о прибытии жениха, кухарка выкладывает пирога на стол, слуги активно переговариваются, майор лихо подкручивает свои усы.   Очень важную роль играет распределение света, которое используется для выделения фигур главных героев — купеческой дочери и майора. В центральной части холста находятся невеста и её мать. Более светлое, чем у её матери, платье невесты помогает выделить её из центральной группы в качестве наиболее важного персонажа. Майор тоже привлекает внимание зрителя, поскольку его фигура расположена контражуром, то есть против света, но при этом за счёт поворота головы влево его лицо оказывается освещённым.   Зритель становиться невольным свидетелем сцены, которая не предназначена для чужих глаз. Здесь все характеры видны как на ладони, нет театральности и пафосности классических полотен. Героями выступают обычные люди, современники художника. Интерьер также написан с детальной точностью и передает облик купеческого дома, стремящегося к показной пышности (расписные потолки, люстра, портреты, дорогое шампанское), но не имеющего вкуса и стиля. В таком подходе была новизна живописи Федотова, который открыл для русского общества реалистическое искусство.

Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе Автор: Н. Ге Художественное направление: реализм Сюжет: На картине в интерьере петергофского дворца Монплезир изображены Пётр I и его сын Алексей Петрович. Пётр I сидит в кресле,  а слева от стола стоит царевич Алексей. На полотне представлена психологическая трактовка исторической драмы. Царевич Алексей, недовольный жёстким и деспотическим стилем, в котором проводились реформы Петра I, бежал в Западную Европу, но был оттуда возвращён и обвинён в подготовке захвата власти в России. С ведома его отца, Петра I, Алексей Петрович был заключён в Петропавловскую крепость, где умер от пыток.   Несмотря на внешнее спокойствие Петра I и царевича Алексея, их внутреннее состояние полно переживаний и душевного напряжения. По-видимому, между ними произошло бурное обсуждение, в результате которого Пётр ещё более уверился в предательстве сына, которое подтверждается документами, разложенными на столе (одна из бумаг упала на пол). Прежде чем вынести приговор, Пётр I всматривается в лицо сына, всё ещё надеясь увидеть на нём признаки раскаяния. Алексей же под пристальным взглядом отца опустил глаза — уверенный в том, что Пётр I не решится приговорить к смерти собственного сына, он молчит и не просит о прощении. Композиция: Исторический жанр был наиболее популярным у художников классицизма. Но и в реалистической живописи нередко встречаются исторические сюжеты. Другой вопрос, что классицизм стремился показать героическую сторону события, а реализм - раскрыть драму, конфликт, душевные переживания персонажей.   Вот и здесь все детали направлены на противопоставление двух личностей. Светотеневое решение композиции подчёркивает разницу между персонажами. Лицо Алексея освещено более бледно, тогда как лицо Петра вылеплено контрастной светотенью. Чередование чёрных и белых плиток пола означает "черное" и "белое" в характерах персонажей или, возможно, шахматную доску, где разыгрывается смертельная схватка. Кстати, Николай Ге писал интерьер дворца с натуры, тщательно соблюдая все детали, но вот пол он взял из другого дворца, видимо, придавая ему особое значение.   Изображённый на картине момент мучительного поиска решения свидетельствует о том, что Ге хотел показать в Петре I не палача, а отца, переступающего через свои личные пристрастия ради интересов государства. Художник впервые в русской живописи показал не идеализированный образ правителя, а реальную личность, не лишенную внутренних переживаний и чувств.

Демон сидящий Автор: М. Врубель Стиль: модерн Сюжет: Этот образ, во многом навеянный поэмой Лермонтова, художник вынашивал долго. В одном из писем он говорит: «Демон – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный». Действительно, в образе Демона сошлись противоречия: с одной стороны, красота, ум, величие, мощь, а с другой – бессилие, беспомощность, страшная тоска (взгляните на безнадежно сцепленные его руки). Он в полном одиночестве сидит на вершине горы, солнце уходит за горизонт, вокруг него застыли прекрасные фантастические цветы. Но красота природы не трогает Демона. Его взгляд устремлен вдаль, он погружен в тягостные думы. По его щеке катится тяжелая слеза. Он как бы предчувствует свою скорую гибель (она изображена в картине "Демон поверженный"). Композиция: Художник подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы. Картина написана в индивидуальном стиле Врубеля с эффектом кристаллических граней, что делает его картины более похожими на витраж или мозаику. Такая манера письма была новаторской. Художник  расчленяет единую форму на отдельные грани, превращая мир в калейдоскоп драгоценных камней.    Композиция наполнена внутренним напряжением. Голова повёрнута в сторону и при этом возникает иллюзия, что волосы находятся в состоянии полёта. Черты лица размыты, но при этом чётко читается настроение героя. Сиреневые оттенки цветов также передают тревогу героя.

Пшеничное поле с кипарисами Автор: В. ван Гог Художественное направление: постимпрессионизм Сюжет: Эта картина из серии пшеничных полей, написанных Ван Гогом в период его лечения в клинике для душевнобольных. На картине изображено поле спелой пшеницы с возвышающимся над ним кипарисом и оливковыми деревьями на фоне предгорья и облаков в небе. Скорее всего, Ван Гог написал её на пленэре, когда ему было разрешено покидать лечебницу. Впоследствии он считал «Пшеничное поле с кипарисом» одной из лучших своих летних картин. Стилевые особенности: Постимпрессионизм - это художественное направление в живописи Франции конца 19 века, характеризующееся отходом от изобразительного метода импрессионизма. Постимпрессионистами были Винсен ван Гог, Поль Сезанн и Поль Гоген. Все они писали картины в собственной, не схожей друг с другом манере.  1. Ван Гог писал в технике импасто (густой, пастозный мазок). 2. Для его живописи характерен энергичный, извивающийся мазок. 3. Вся работа наполнена движением: по колосьям бежит волна, вызванная ветром, оливковые деревья гнуться, облака закручиваются, кипарис "выстреливает" ветвями в небо. 4. В 20 веке художники-экспрессионисты считали Ван Гога своим вдохновителем и позаимствовали у него энергичный мазок и заостренность форм.

Женщина, держащая плод Автор: Поль Гоген Художественное направление: Постимпрессионизм Сюжет: События, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды. Лицо таитянки серьёзно и выразительно, взгляд — внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная жена Гогена, таитянка Техура.    Главная героиня картины — таитянка, держащая в руках плод, — является, по мнению искусствоведов, олицетворением Евы. Часто обращавшийся к религиозной тематике в своих работах, Гоген видел в жительницах Таити первобытность, представлявшую собой,  неотъемлемый атрибут этой библейской героини. Тропический фрукт, не только играет роль «запретного плода», в христианстве символизирующего грех, но и отсылает к теме материнства и продолжения жизни. Расположение персонажей картины на заднем плане также имеет скрытый смысл, перекликаясь с центральной фигурой: девушка, находящаяся слева от центральной героини — незамужняя, а женщина справа — с ребёнком на руках. В последнем обстоятельстве исследователи видят намёк ещё и на то, что на момент создания «Женщины…» Техура ждала ребенка. Стилевые особенности: Постимпрессионизм - это художественное направление в живописи Франции конца 19 века, характеризующееся отходом от изобразительного метода импрессионизма. Постимпрессионистами были Винсен ван Гог, Поль Сезанн и Поль Гоген. Все они писали картины в собственной, не схожей друг с другом манере.   Загорелое, смуглое тело женщины передано намеренно плоскостно. Чёткая непрерывная линия, описывающая контур женской фигуры, делает её более плотной и выразительной, придаёт весомость и объём. Таитянский пейзаж на фоне трактован достаточно обобщённо: на картине нет солнечных лучей или вибрации воздуха, однако зной тропического солнца ощущается и в цвете кожи женщины, и в синеве неба, и в неподвижности ветвей, и в насыщенно-красных пятнах одежды. Жёлтый орнамент на красной юбке вторит узору, который образуют листья деревьев над головой туземки, за счёт чего сама она кажется неотъемлемой частью природы. Элементы символического стиля Гогена проявлялись в насыщенном, смелом, декоративном цвете. Он писал широкой линией, окончательно отвергая импрессионистическую технику использования мелких штрихов для создания формы, предпочтя ей большие пятна чистого цвета.

Гора Святой Виктории Автор: П. Сезанн Художественное направление: Постимпрессионизм Сюжет: Гору Святой Виктории Сезанн писал более шестидесяти раз в разных ракурсах, при разном освещении. Он жил и работал в небольшом французском городке Эксе, и гора Святой Виктории была видна с любой точки города и окрестностей. Не удивительно, что со временем она стала едва ли не единственной и, безусловно, самой важной темой сезанновских пейзажей, оставаясь таковой до конца его жизни. В многочисленных повторениях художник искал и отрабатывал свой уникальный стиль живописи.    В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит передать в пейзаже что-то непреходящее, вечное.    И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Стилевые особенности: В этой картине в полной мере отражены те искания художника, где он выявляет геометрическую структуру окружающего мира: кубические дома, шаро- и конусоподобные деревья, призма вырастающей из земли горы. Все сведено к простым геометрическим формам. Это одна из главных особенностей живописи Сезанна. В одном из писем он сказал: «Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса». Другая особенность Сезанна - широкий сильный мазок, придающий предметам материальность и плотность. Впоследствии живопись Сезанна дала толчок развитию кубизма, который развивал его идеи.

Черный квадрат Автор: К. Малевич Художественное направление: Супрематизм История создания: Малевич представляет собой уникальный пример художника-любителя, ставшего одним из символов новейшего искусства. Причем более или менее профессионально заниматься живописью он начал очень поздно – в 27 лет. За несколько лет он самостоятельно прошел путь от импрессионизма до кубизма. Итогом его исканий стал супрематизм - направление русского авангарда, в произведениях которого структура мироздания воспроизводилась в простейших геометрических формах. Стилевые особенности:    "Черный квадрат" относится к первому этапу супрематизма: черному этапу (были еще "цветной" и "белый"). «Черный» этап начинался с трех форм – квадрата, креста, круга. Черный квадрат определялся как базисный элемент мира и бытия. По мнению Малевича, квадрат являлся первоосновой, суперфигурой, из который можно получить все остальные: круг, крест, треугольник.    Малевич называл "Черный квадрат" - «Нуль форм», так как в этой картине он отказался от всех достижений классической живописи. Радикальное упрощение живописи – отказ от цвета, от традиционной композиции, от натуралистичной формы, от перспективы и от сюжета, который был отброшен, сведен к нулю, закрашен. «Нуль форм» обозначал конец живописи (черный квадрат) и одновременно точку отсчета нового искусства (белый фон).